Black Magazine Issue 15

Photographer : Thom Kerr
Stylist : Cassandra Scott-Finn
Make Up : Jovita Lee
Hair : Lauren McCowan

SARAH MOON

Sarah Moon, nacida en 1941 en Vichy, Francia, es una de mis fotógrafas favoritas de todos los tiempos.

Su estilo fotográfico, fácilmente reconocible, es una mezcla entre pintura impresionista y fotografía vintage.

Pese a su característico estilo que incluye desenfoques, imágenes movidas, desenfocadas o incluso cortadas es una de las más prestigiosas fotógrafas de moda, ya que estos elementos, cuidadamente utilizados en sus imágenes destilan nostalgia, misterio e incluso erotismo.

Sus etéreas y fantasmagóricas imágenes han protagonizado campañas de marcas tan prestigiosas como Chanel, Dior, Comme des Garçons o Christian Lacroix y aparecido en revistas como Vogue o Elle.

Sarah Moon, born 1941 in Vichy, France, is one of my favorite photographers ever.

Her easy recognizable style mixes an almost like an impressionist painter touch with vintage photography reminiscences. Even with her characteristic style, not very usual in fashion photography, as it includes blurry, out of focus, scratched or cutted images, she becomed one of the most prestigious fashion photographers, as this elements, carefully used in her photographies reveal suggestive images full of nostalgia, mistery and even erotism.

Her ethereal and fantasmagoric works have been involved in campaigns of as well know brands as Chanel, Dior, Comme des Garçons or Christian Lacroix and graced magazines as Vogue or Elle.

MIKAEL VOJINOVIC

 Recientemente he descubierto el trabajo fotográfico de  Mikael Vojinovic   y me ha encantado la mezcla de sensualidad, glamour, inocencia y provocación en sus fotografías. Aquí os dejo algunas de mis favoritas:

MIWA YANAGI CREEPY FAIRYTALES

Nacida en Kobe, en 1967, Miwa Yanagi es actualmente una de las artistas más destacadas del panorama fotográfico japonés.

Su obra suele girar en torno al papel de la mujer en la sociedad, aunque una de sus series más impactantes, y personalmente mi favorita, explora no solo los roles femeninnos en sí mismos sino la presencia de los mismos dentro de algunos de los más conocidos cuentos cuentos tradicionales occidentales. Así, encontramos mezclada juventud y vejez en unas imágenes que aunque son representaciones de un imaginario occidental poseen una estética e iconografía tipicamente japonesas que incluso nos remiten al cine de terror oriental en algunas escenas...

Photographers: Tentesion & Wicked Enemy

Model: Darkmoon
Vestuario y estilismo: Bibian Blue
Make-up artist: Kendra Irigaray
Digital Retouch: Virginia

IN REQUIEM de REBECA SARAY

Me hubiera gustado escribir este post antes, coincidiendo con la visita de la autora a Barcelona para firmar ejemplares de su libro en el "Saló del Comic", pero en fin, más vale tarde que nunca...el caso es que ya está a la venta el libro "In Requiem", editado por "Norma", en el que podemos admirar de nuevo la obra de la fotógrafa y artista digital Rebeca Saray

A través de este segundo libro la artista propone un recorrido por algunas de las películas de terror más emblemáticas de la historia, tales como "Drácula", "Abierto hasta el Amanecer", "Alien", "Sweeney Todd" o "Sleepy Hollow" entre otras, siempre con su inconfundible e inigualable estilo, en el que imágenes llenas de oscuridad están cargadas al mismo tiempo de una gran sensibilidad y belleza.

Personalmente lo que me fascina de la obra de Rebeca, además su técnica impecable y su magistral manejo de los procesados es la creatividad que derrocha y la mezcla perfecta que consigue entre luz y oscuridad, tanto literalmente, a través del particular juego de luces y sombras que se suele encontrar en obra, como metafóricamente a través del imaginario de seres oscuros pero bellos que protagonizan sus fotografías..."In Requiem", al igual ue su anterior libro "Feelings" es una pieza indispensable en la biblioteca de cualquier amante del arte digital y de la estética "gótica".

Destacar que la principal modelo del libro es la espectacular Pilar Rubio y que todo el maquillaje y efectos especiales fueron realizados por la maquilladora Elena García

ELLEN ROGERS

Recientemente he descubierto la obra de esta joven fotógrafa Londinense cuyo trabajo, totalmente analógico, me ha cautivado.

Aunque la sección biográfica de su web es realmente escueta, su trabajo habla por sí mismo y encontramos  una sección de entrevistas en las que la artista se explaya un poco más acerca de sus técnicas, influencias e insipración.

Apasionada de la fotorgafía, coleccionista de cámaras vintage, Ellen Rogers recrea en sus fotografías, tal y como ella misma declara en una entrevista de "Milk Magazine", escenas de "un futuro que nunca será" o "un pasado que nunca fue".

Musas atemporales que parecen salir de una película de cine mudo, texturas oníricas y ambientes decadentes conforman el mundo en el que Rogers nos introduce a través de sus fotografías.

Si quereis saber más sobre la artista podeis visitar su blog

GÜNTER BLUM

 "Techno Torso" (1992)

Günter Blum (1949-1997), nacido en Mannheim, Alemania, es uno de los grandes referentes dentro de la fotografía erótica. Considerado un maestro de la luz, su nombre y su estilo se asocian al de otros grandes fotógrafos, como Helmut Newton, e incluso al de directores de cine como Fritz Lang, en cuya obra maestra "Metrópolis" encontraron inspiración las series realizadas por Blum en las que el cuerpo humano es contrapuesto a la frialdad de las máquinas. 

La iluminación de sus fotografías, trabajadas exclusivamente en blanco y negro, se basa en los claroscuros, tomando como referencia la fotografía del cine negro y el expresionismo alemán. En la mayoría de sus obras encontramos numerosos elementos fetichistas: tacones, latex, corsés, medias de rejilla...que junto con poses estudiadas y pronunciadas potencian las curvas del cuerpo femenino, protagonista indiscutible de las fotografías de Blum.

 "Aubergine I" (1995)

Su principal modelo y musa, Sylvie, se convirtió en su esposa en 1995, dos años antes de que Günter falleciese de una grave enfermedad.

"Netztorso II" (1993)

Sus fotografías fueron publicadas en revistas como Playboy, Elle, Cosmopolitan, Stern, Focus, GQ, Die Welt...entre otras

Podeis ver más obras del fotógrafo AQUI

ADOLF DE MEYER (1868 -1949)

Campaña de cosmética para Elisabeth Arden, 1927

Educado en Alemania (aunque el reclamó la nacionalidad francesa), está considerado uno de los pioneros dentro de la fotografía de moda. Después de la Primera Guerra Mundial la fortuna de su familia quedó destruída y junto a su mujer, Olga, se trasladó a los EE.UU donde se convirtió en el principal fotógrafo de revistas de moda como Vogue, Vanidades o Harper´s Bazaar. Desgraciadamente la mayoría de sus obras se destruyeron en vísperas de la Segunda Guerra Mundial

 Mary Pickford, 1920

Ann Pennington

 

 Dolores, Follies + frolics, 1918

 

 Dolores

 

 Hellen Lee, 1920

MEMENTO MORI: FOTOGRAFÍA POSTMORTEM

Se llama Fotografía Post Mortem a toda aquella que es tomada después de la muerte de una persona y dentro de la misma se encuentran disciplinas como la fotografía forense o el registro de disecciones, sin embargo la fotografía post mortem de la que pretendo hablar en este post es aquella que surgió y se popularizó durante el siglo XIX y que retrataba, como recordatorio, a los familiares una vez fallecidos.

Se trata de una costumbre que tal vez hoy nos parezca macabra pero que hay que situar correctamente en su época y contexto. Este tipo de fotografía nace casi al mismo tiempo que la propia disciplina fotográfica. En 1816 Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas y la fotografía más antigua que se conserva data de 1826.

La primera fotografía post mortem es tomada en 1839 en Paris y la costumbre se extiende rápidamente a otros países. Evidentemente, por aquel entonces ser fotografiado era algo a lo que no todo el mundo podía acceder y que se reservaba para ocasiones muy especiales. ¿Y que ocasión más especial que la partida de un ser querido? Al fin y al cabo era la última oportunidad de conservar una imagen de la persona fallecida.

Por otra parte, los difuntos eran sujetos ideales para el retrato fotográfico, por los largos tiempos de exposición que requerían las técnicas del siglo XIX. Niepce necesitó ocho horas de exposición, ni mas ni menos, para obtener sus primeras imágenes, por lo que en aquella época era más popular el daguerrotipo, inventado por Louis Daguerre en 1839, el cual reducía los tiempos necesarios de exposición y cuyo procedimiento sería el antecesor de la fotografía instantánea de Polaroid.
Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron métodos diferentes. El de Talbot, basado en un papel cubierto con cloruro de plata, es el que más se acerca a la fotografía actual ya que producía un negativo que podía ser positivado tantas veces como se desease.
Dada la gran popularidad de la fotografía post mortem, especialmente a partir de 1860 (cuando la mayoría de la gente empezó a poder permitirse el tener un retrato fotográfico, aunque este seguía reservándose para ocasiones especiales) hubo incluso fotógrafos que se especializaron en esta disciplina como podemos comprobar en un extracto de el diario "El Nacional" (1861) en el que el fotógrafo Francisco Rave y su socio José María Aguilar anuncian que "Retratan cadáveres a domicilio, a precios acomodados..."



En un principio se solía retratar a los difuntos en actitud de reposo, como si estuviesen durmiendo o descansando, simbolizando así el "sueño eterno", un eufemismo con el que se alude a la muerte. También se hizo común el retratar a los cadáveres acompañados de sus seres queridos: madres sosteniendo a sus bebés muertos, niños sentados al lado de sus hermanos recién fallecidos o el finado rodeado de sus parientes cercanos.


Otra costumbre era disponer al muerto en una silla o en actitud cotidiana, simulando que estaba vivo, para lo cual, a menudo debían abrirse los ojos del difunto. Proceso que, en algunas fotografías, esta realizado de forma magistral mientras que en otras deja traslucir la falta de vida del cadáver fotografiado. El fotógrafo solía ser el encargado de maquillar y vestir el cuerpo.

Posteriormente comenzaron a utilizarse ornamentos, normalmente símbolos relacionados con la muerte, como flores o crucifijos.
La fotografía post mortem se mantuvo como práctica extendida hasta mediados del siglo XX. A partir de entonces y aun en la actualidad este tipo de fotografías se realiza solamente tras la muerte de personalidades importantes y normalmente ya en el ataúd o durante el velatorio.

Aunque desde nuestro punto de vista actual esta costumbre pueda parecer morbosa o macabra nada más lejos de la realidad, pues en su época era algo muy común y totalmente aceptado por la sociedad, aunque quizá la muerte no es hoy en dia, algo que consideramos tan cotidiano, ya que evidentemente las tasas de mortandad (especialmente las infantiles) han descendido bastante y quizá cada vez la vejez y la muerte son más rechazados, siendo algo que la sociedad prefiere obviar. Sin embargo, como dice la frase de origen romano, aquella que un sirviente le susurraba al emperador o el general victorioso durante su triunfo, y que ha pasado a designar un tipo de arte dentro del que se engloba la fotografía post mortem: Memento Mori , " Recuerda que eres mortal".